THE BEST OF THE BEST !
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Bass guitar
Drum
Vocal
Cette page est consacré aux musiciens qui ont influencé les styles, les bands tout au long de l'histoire du rock. Vous découvrirez les meilleurs des meilleurs de toutes les catégories.
Guitaristes, joueurs de bass guitar, drummers et finalement chanteurs.​
La guitare est l'un des instruments les plus polyvalents et les plus populaires de la musique moderne. Grâce à sa capacité à produire une large gamme de sons et de styles, elle a été l'épine dorsale de nombreux genres, du rock au jazz et tout ce qui se trouve entre les deux. Au fil des ans, de nombreux guitaristes ont repoussé les limites de ce qui est possible sur l'instrument, captivant le public par leur virtuosité et leur créativité. Voici les meilleurs guitaristes de tous les temps, dont les contributions ont façonné et façonnera notre façon de penser et de jouer de la guitare. Les guitaristes de cette liste viennent de tous les horizons et ont marqué différents genres et époques. Certains d'entre eux étaient des pionniers qui ont inventé de nouvelles techniques et de nouveaux sons, tandis que d'autres ont affiné des styles existants à la perfection. Cependant, ils ont tous une chose en commun : leur capacité à faire chanter la guitare d'une manière qui touche l'âme.
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Par où commencer ??? Les meilleurs des meilleurs sont s'en aucun doute des génies, des virtuoses, des aliens de la musique. Ici on ne veut ni classer ni discriminer. Certains d'entre vous pourrait ne pas être d'accord sur l'ordre de publication mais aucun rang ou numéro n'est attribué à juste titre parce que tous ne proviennent pas de la même époque ou du même style de musique. Par contre vous devrez vous accorder pour dire que ceux qui sont ici sont incontestablement parmi les meilleurs des meilleurs. Certains des génies n'apparaîtront peut-être pas ici mais vous pourriez les retrouver dans le menu ''Exception''.
Cette page est consacrée aux musiciens qui ont de loin influencé l'histoire du rock incluant les 3 plus grands ''blues man'' de l'histoire de la musique soit; B-B King le parrain du Blues, Stevie Ray Vaughan le père du Blues et le petit nouveau Taj Farrant qui sera incontestablement le fils du Blues pour les années à venir.
Rythm & Blues
MASTER
BB ''THE KING'' du Rythm & Blues et parrain de l'histoire du rock
Après avoir servi pendant la Seconde Guerre mondiale, Riley B. King, plus connu sous le nom de BB King, devient disc-jockey à Memphis, dans le Tennessee, où il est surnommé « le Beale Street Blues Boy ». Ce surnom est raccourci en « BB » et le guitariste enregistre son premier disque en 1949.
Il passe les décennies suivantes à enregistrer et à faire des tournées, donnant plus de 300 concerts par an. Artiste de renommée internationale, King travaille avec d'autres musiciens issus du rock, de la pop et de la country. Il remporte son 15e Grammy Award en 2009. King décède en 2015.
Son style de musique lui a valu le titre de « Roi du Blues ». Par coïncidence, l’année où King a enregistré son premier album est aussi celle où il a donné un nom à sa guitare adorée. King a assisté à une soirée dansante à Twist, Arkansas, où un tonneau allumé au kérosène était placé au milieu de la piste de danse, utilisé pour garder la foule au chaud tard le soir. Une bagarre a éclaté et le tonneau a été renversé, provoquant un incendie dans toute la salle. Tout le monde a évacué, y compris King, mais il s’est précipité à l’intérieur pour récupérer sa précieuse guitare. Heureusement, il réussit à s'échapper avec sa guitare alors que le bâtiment s'effondrait autour de lui. King apprit plus tard que la bagarre avait éclaté à cause d'une femme qui travaillait dans la salle, Lucille. À partir de ce moment, King nomma sa guitare « Lucille » pour se rappeler de ne plus jamais faire une chose aussi stupide.
King a également connu un succès commercial grâce à ses nombreuses collaborations au fil des ans, notamment avec les artistes Eric Clapton , Elton John , Sheryl Crow , Van Morrison et Bonnie Raitt. En 1987, King a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.
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STEVIE RAY VAUGHAN, légende inachevée du Rythm & Blues
Avec son jeu de guitare accompli, Stevie Ray Vaughan a déclenché le renouveau du blues dans les années 80. Vaughan s'est inspiré autant de bluesmen comme Albert King, Buddy Guy et Albert Collins que de rock'n'roll comme Jimi Hendrix, développant un style éclectique et fougueux unique qui ne ressemblait à aucun autre guitariste, quel que soit le genre. Vaughan a comblé le fossé entre le blues et le rock comme aucun autre artiste ne l'avait fait depuis la fin des années 60. De 1983 à 1990, Stevie Ray a été la figure de proue du blues américain, faisant régulièrement salle comble à ses concerts tandis que ses albums devenaient régulièrement disques d'or. Sa mort tragique en 1990 à l'âge de 35 ans a mis un terme à une brillante carrière dans le blues et le rock'n'roll américain alors qu'il était sur le point de devenir une superstar.
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Né et élevé à Dallas, Vaughan a commencé à jouer de la guitare à l'âge de 7 ans, inspiré par son frère aîné Jimmie. À 12 ans, il jouait dans des groupes de garage et, quelques années plus tard, il rejoignait des groupes semi-professionnels qui se produisaient occasionnellement dans des boîtes de nuit locales. À 17 ans, il abandonne le lycée pour se concentrer sur la musique. En 1970, Stevie joue dans un groupe de cuivres de neuf musiciens, puis forme son premier groupe de blues, Blackbird, un an plus tard. Blackbird déménage à Austin et après quelques passages dans divers groupes, Vaughan rejoint Paul Ray and the Cobras en 1975. Les Cobras sont élus groupe de l'année d'Austin en 1976. Après avoir payé ses cotisations en tant que sideman, Stevie forme Triple Threat Revue en 1977. Triple Threat comprend également le bassiste WC Clark et la chanteuse Lou Ann Barton. Barton quitte le groupe en 1979 et le groupe devient Double Trouble, le nom inspiré de la chanson d'Otis Rush. Double Trouble comptait Jack Newhouse à la basse, Chris Layton à la batterie et Vaughan devint le chanteur principal du groupe. En 1981, Tommy Shannon se joignit à la basse et le power trio était formé.
Rythm & Blues
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TAJ FARRANT, une légende du Rythm & Blues est née
''Un concert d'AC/DC avec son père et le fait de voir Angus Young faire son truc ont été le catalyseur qui a poussé Taj à dire « Je veux faire ça pour toujours ». Il a acheté une guitare et le reste, comme on dit, appartient à l'histoire.''
Taj Farrant est peut-être jeune, mais ses capacités musicales naturelles dépassent son âge. Ce jeune Australien terre-à-terre est plus que passionné par la guitare et est clairement un musicien et un rocker né de bout en bout.​ Il est devenu un maître de la guitare pour beaucoup et a une voix qui vous fait croire qu'il chante depuis toujours. Il brise les genres car il peut chanter et jouer de la guitare sur du classique de Whitney Houston , il est déjà un maître du blues, chanteur et guitariste, il a prouvé son talent irréfutable dans les foules de métal dur de nos groupes de métal préférés, Taj sans effort mais avec une immense admiration reprend des légendes de la guitare.
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En tant que guitariste, Taj a ce « feeling » vraiment authentique lorsqu'il joue, avec une technique et une âme bien au-delà de son âge. Avec la présence en ligne de Taj qui se développe rapidement et qui est présenté dans l'émission d'Ellen DeGeneres, Taj a également eu la chance de partager la scène avec des artistes de renommée mondiale tels que Carlos Santana, Rob Thomas, Orianthi et bien d'autres, attachez vos ceintures et tenez-vous bien... c'est Taj Farrant.
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Si vous ne le connaissez pas vous en entendré parlé bientôt. Ce jeune prodige a fait sa première apparition publique en 2019 à l'age de 9 ans dans l'émission ''Australia got talent''. Il est déjà considéré dans la même catégorie que les Jimi Hendrix, B-B King, Stevie Ray Vaughan et Jimmy Page de Led Zeppelin. Un talent pur à surveiller.
Rythm & Blues
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Angus Young, l'incarnation du rock
Angus est littéralement l'incarnation du « rock ». Aucun autre guitariste ne peut jouer du rock pur comme le fait Angus. Les gens le critiquent pour ses accords simples, mais cela ne fait qu'une partie des chansons qu'il joue et ne reflète pas les véritables capacités d'Angus. Lorsqu'il se lâche, il est très proche d'Eddie Van Halen.
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Angus McKinnon Young est un guitariste australien d'origine écossaise, né le 31 mars 1955.
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Angus Young est connu pour être guitariste soliste, compositeur et cofondateur du groupe de hard rock AC/DC (avec son frère Malcolm). Il est reconnaissable par son énergie sur scène, et surtout son uniforme d'écolier et son duckwalk.
Tout comme les autres membres du groupe, il a été intronisé dans le Rock and Roll Hall of Fame en 2003. Il est l'un des meilleurs guitaristes de tous les temps grâce à ses performances musicales et son incroyable énergie sur scène.
Adolescent, Angus Young jouait dans un groupe nommé Kantuckee (selon certaines sources, le groupe s'appelait Tantrum). Il avait 18 ans et Malcolm en avait 20 quand ils formèrent AC/DC en 1973 avec Angus à la guitare solo, Malcolm à la guitare rythmique, Colin Burgess à la batterie, Larry Van Kriedt à la guitare basse et Dave Evans au chant. Ils adoptèrent le nom d'AC/DC après avoir vu le sigle « AC/DC » sur un aspirateur (ou selon certaines sources, sur une machine à coudre appartenant à leur sœur Margaret).
Si une chose peut caractériser le son et l'image d'Angus Young, c'est bien sa fameuse guitare Gibson SG. Il en possède 17 modèles différents. Depuis qu'il est dans le groupe d'AC/DC, celui-ci ne joue pas sans sa SG. Sa petite taille (1,57 m), son attitude et son uniforme d'écolier, lui ont conféré un statut particulier auprès des fans : Angus est connu pour son jeu de scène déchaîné. Il capte l'attention de l'auditoire par de grands bonds ou par des courses le long de la scène, tout en jouant de la guitare. Il reprend à chaque concert le fameux duckwalk de Chuck Berry en jouant.
JIMI HENDRIX, l'inventeur du solo de guitare qui tue
Jimi Hendrix a révolutionné le jeu de la guitare électrique. Avant Hendrix, les guitaristes se contentaient de gratter la guitare, de jouer les accords et de choisir une mélodie en solo. Hendrix a obtenu des sons de guitare que personne n'avait jamais entendus. Il était L'INNOVATEUR. Il n'a pas seulement accepté l'approche des livres de méthodes de guitare et a abordé l'instrument comme étant bien plus que de simples accords et des solos twangy. Il a utilisé la guitare et l'amplificateur ensemble pour créer des sons encore plus uniques. Il a été le premier à utiliser le feedback dans son jeu. Il a introduit le fuzz, la distorsion, le feedback et la réverbération dans le courant dominant de la guitare. Vous voulez parler de shredding ? Hendrix l'a fait avec ses dents. Tout le concept du solo de guitare rock qui tue a commencé avec Jimi Hendrix. C'est vrai, cela se serait produit tôt ou tard, mais Hendrix a été le seul homme à changer le jeu de tous les guitaristes qui sont venus après lui.
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James Marshall Hendrix, né Johnny Allen Hendrix le 27 novembre 1942 à Seattle (Washington) et mort le 18 septembre 1970 à Londres (Angleterre), plus connu sous le nom de Jimi Hendrix, est un guitariste, auteur-compositeur et chanteur américain, fondateur du groupe The Jimi Hendrix Experience, actif de 1966 à 1970. Malgré une carrière internationale longue de seulement quatre ans, il est considéré comme l'un des virtuoses de la guitare électrique du XXe siècle Il figure assurément dans la liste des meilleurs joueurs de guitare électrique de tous les temps.
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Jimi Hendrix est l'un des artistes les plus novateurs de la musique populaire de son siècle, notamment en raison de l’approche révolutionnaire de son instrument et de ses techniques d'enregistrement originales en studio. Hendrix a la particularité, pour un guitariste gaucher, de jouer le plus souvent sur une guitare de droitier, dont les cordes sont remontées « à la gaucher ». Il lui arrive néanmoins d'emprunter une guitare à un droitier et de jouer avec les cordes telles quelles. Improvisateur sortant des sentiers battus, il libère la guitare solid body en utilisant les ressources nées de l'amplification, notamment en domestiquant l'effet Larsen et en explorant toutes les facettes du maniement de la tige de vibrato, ou des pédales d'effet comme la fuzz, l'UniVibe et, surtout, de la pédale wah-wah dont il est également un virtuose.
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Jimmy Page, fondateur du Hard Rock
Alors qu’il est encore étudiant, Jimmy Page fait souvent des incursions dans les concerts du Marquee Club, auprès de groupes comme les All Stars de Cyril Davies ou Blues Incorporated. Il y joue avec de futurs grands guitaristes, Jeff Beck ou Eric Clapton. Après quelques brèves collaborations avec Neil Christian and The Crusaders, Carter-Lewis and The Southerners, avec le groupe de Mike Hurst et Mickey Finn and the Blue Men, Jimmy Page devient alors guitariste de studio à temps complet. En 1964, Jimmy Page joue sur As Tears Go By de Marianne Faithfull, sur Tobacco Road des Nashville Teens, sur une version alternative de Heart of Stone des Rolling Stones. Il finit par travailler sur quelques chansons des Who et des Kinks. À la fin 1964, on propose à Jimmy Page de remplacer Eric Clapton dans The Yardbirds, mais il décline l’offre et il propose à sa place son ami Jeff Beck pour remplacer Clapton. Ils feront quelques jams ensemble !
James Patrick Page, dit Jimmy Page, né le 9 janvier 1944 à Heston dans la banlieue de Londres, est un guitariste, producteur et compositeur de rock britannique. Il est le fondateur, leader et compositeur de la majorité du répertoire original du célèbre groupe de rock Led Zeppelin, ainsi que le producteur de leurs albums. Auparavant, dès 1963, il mène une carrière prolifique comme musicien de studio. Sa virtuosité en fait vite un des musiciens les plus demandés lors des séances d'enregistrement des artistes et des groupes phares jusqu'à son arrivée chez les Yardbirds fin 1966. En 1968, il fonde le groupe Led Zeppelin qui devint une des plus importantes formations de l'histoire du rock en compagnie de Robert Plant, John Paul Jones et John Bonham. Avec George Harrison, Eric Clapton, Jeff Beck, Pete Townshend, David Gilmour et Brian May, il est considéré comme l'un des meilleurs guitaristes britanniques et comme l'un des plus influents de l'histoire du rock. Les expériences antérieures de Page, aussi bien en studio qu'avec les Yardbirds, influencent fortement la musique et le succès de Led Zeppelin.
En tant que producteur, compositeur et guitariste, il fait de Led Zeppelin un archétype qui va devenir une référence majeure pour les futures formations et un vecteur pour les courants proches du hard-rock et du heavy-metal, notamment, mais également bien d'autres sous-genres du rock, du fait d'une grande variété de styles expérimentés.
Tony Iommi, fondateur du Heavy Metal
Tony est sans conteste l'un des meilleurs guitariste de tous les temps. Il est le guitariste qui a le plus d'œuvres parmi tous les guitaristes de cette liste. Il a contribué à créer certains des genres de métal les plus influents de tous les temps : le métal traditionnel, le stoner rock et le thrash metal. Vous ne me croyez pas ? Écoutez simplement Supernaut, Symptom of the Universe, Paranoid, Into the Void, Iron Man, War Pigs, Snowblind, Lord of This World, Sweet Leaf, Heaven and Hell et Methademic. Sans parler du fait qu'il lui manque une partie de ses doigts à cause d'un accident d'usine quand Tony était enfant. Tony Iommi est synonyme de heavy rock, ses riffs innovants, désaccordés et sombres sont considérés comme le modèle des centaines de groupes qui ont suivi.
Né le 19 février 1948 à Birmingham, en Angleterre, Tony, gaucher, a commencé à jouer de la guitare après avoir été inspiré par des artistes comme Hank Marvin & the Shadows alors qu'il était adolescent. En 1967, il avait joué avec plusieurs groupes de rock blues, dont l'un est devenu Polka Tulk (plus tard Earth), avec le bassiste Terry « Geezer » Butler, le batteur Bill Ward et le chanteur John « Ozzy » Osbourne.
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Alors qu'un autre groupe jouait déjà en Angleterre sous le nom de Earth, Iommi & co. ont été obligés de changer de nom, prenant « Black Sabbath » du titre américain du film d'horreur italien classique « I Tre Volti Della Paura ».
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Le changement de nom s'accompagne d'un changement de direction musicale : le groupe explore des thèmes lyriques sombres, tandis que la musique est répétitive, pesante et lourde. Ce faisant, Sabbath a créé les bases du heavy metal avec des sorties incroyablement influentes et classiques de tous les temps comme leur premier album éponyme de 1970 et Paranoid, Master of Reality de 1971, Vol. 4 de 1972 et Sabbath Bloody Sabbath de 1973. Ces albums ont élevé Black Sabbath au rang des meilleurs groupes de hard rock du monde. Le jeu de guitare d'Iommi a propulsé des standards du métal tels que « Black Sabbath », « NIB », « Paranoid », « Iron Man », « War Pigs », « Into the Void » et « Children of the Grave », qui comptent certains des riffs de guitare les plus reconnaissables de l'histoire du rock.
RANDY RHOADS, l'éminent professeur de musique
Randy était un grand guitariste. Il était tellement en avance sur la plupart des gens qui jouaient de la guitare et il s'entraînait toujours. On ne le voyait jamais sans une guitare dans les mains, comme Hendrix. Il était génial dans Quiet Riot et a eu une excellente occasion de rejoindre Ozzy. L'écriture et le jeu de Randy se sont considérablement améliorés. C'était le genre de personne qui s'intéressait à la musique. "Blizzard of Ozz" et "Diary of a Madman" sont de bons exemples de ce qu'est la virtuosité du rock/métal.
Écoutez des chansons comme "Mr. Crowley", "Revelation (Mother Earth)", "Diary of a Madman", "Crazy Train", son solo de vedette qu'il a fait dans Quiet Riot, "Laughing Gas", "I Don't Know", "Over the Mountain" et "Flying High Again", et vous serez sûrement étonné. Il avait toujours le contrôle de ce qu'il faisait. "Blizzard of Ozz" est un titre très puissant en raison de sa puissance et de son énergie. "Diary of a Madman" le montre en train de s'enfoncer plus profondément dans le jazz et la musique classique.
Son travail a laissé un impact énorme sur les gens. Sa mort a été l'une des pires morts de l'histoire de la musique. Ce pilote sous l'emprise de la cocaïne n'aurait pas dû le persuader de monter dans l'avion alors que le pilote était défoncé. Très peu de gens peuvent l'égaler à ce jour. Il avait ce morceau de Dieu en lui et était entrelacé dans son ADN. RIP Randall William Rhoads : 6 décembre 1956 - 19 mars 1982. Rock on Randy !
Randall William « Randy » Rhoads (6 décembre 1956 – 19 mars 1982) est un musicien américain, plus précisément guitariste heavy metal, ancien membre du groupe Quiet Riot puis Ozzy Osbourne. Durant sa carrière, Rhoads mélange ses influences de musique classique avec son propre style de heavy metal. Malgré sa courte carrière, Rhoads est une influence majeure sur le metal néo-classique, et il est cité comme une influence par de nombreux guitaristes, et est inclus dans plusieurs listes des « plus grands guitaristes ». Randy commence à être professeur de guitare dans l'école de sa mère. Professeur le jour, il retrouve son groupe le soir pour les répétitions et les concerts. Little Women se transforme rapidement en Quiet Riot. C'est en 1979, qu'un ami de Randy lui propose d'aller auditionner pour le nouveau groupe de l'ex-Black Sabbath, Ozzy Osbourne.
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EDDIE VAN HALEN, le prodige du solo de guitare
Le guitariste et chanteur Eddie Van Halen a formé le groupe Van Halen en 1974 avec son frère Alex. Ses riffs de guitare rapides et les facéties sur scène du chanteur David Lee Roth ont attiré l'attention du guitariste de Kiss, Gene Simmons , en 1977, qui a financé et produit leur première séance d'enregistrement. Le sixième album du groupe, 1984 , comprenait les tubes Panama et Jump, et a fait du quatuor de hard rock une référence mondiale.
Edward Lodewijk Van Halen est né le 26 janvier 1955 à Nimègue, aux Pays-Bas, et a déménagé avec sa famille en Californie au début des années 1960. En grandissant à Pasadena, Eddie et son frère, Alex, ont pris des cours de piano classique, jouant principalement du classique improvisé, et Eddie, en particulier, s'est révélé être un musicien remarquable dès son plus jeune âge. À l'adolescence, Eddie est passé à la guitare et Alex à la batterie, abandonnant la musique classique et créant un groupe de rock appelé Mammoth. En 1974, les frères Van Halen s'associent au chanteur David Lee Roth et au bassiste Michael Anthony pour former Van Halen. En quelques années, le groupe, grâce au son de guitare caractéristique d'Eddie et au chant tout aussi unique de Roth, devient extrêmement populaire sur la scène rock de Los Angeles.
En 1978, Van Halen a sorti son premier album éponyme, qui comprenait le single à succès "Runnin' With the Devil". La combinaison des riffs de guitare électrique d'Eddie et des facéties ironiques de Roth a propulsé l'album au statut de platine dans les six mois suivant sa sortie.
Au cours des années suivantes, Van Halen devient l'un des groupes les plus travailleurs et les plus rentables de l'industrie du disque, sortant une série d'albums multiplatine en succession rapide : Van Halen II en 1979 , Women and Children First en 1980, Fair Warning en 1981 et Diver Down en 1982. Mais le véritable statut de superstar n'arrive qu'à la sortie de l' album 1984 , qui présente les méga-succès désormais classiques "Jump", "Panama" et "Hot for Teacher", avec des clips pour chacun enflammant MTV.
ALEX LIFESON, créateur et producteur prolifique
Aleksandar Živojinović, connu sous son nom de scène Alex Lifeson, né le 27 août 1953 à Fernie (Colombie-Britannique, Canada), est un guitariste canadien, membre fondateur du groupe de hard rock progressif Rush.
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Il reçoit comme cadeau de Noël sa première guitare à l'âge de treize ans. Il décide d'abandonner le violon à l'âge de 12 ans pour commencer la guitare, influencé par Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck, Pete Townshend, Steve Hackett. En 1963, il rencontre à l'école le premier batteur de Rush, John Rutsey, avec qui il décida de former le groupe. Il prend alors la décision de prendre de vrais cours de guitare, ce dernier ayant toujours été autodidacte.
En 1968, Lifeson a cofondé un groupe qui deviendrait plus tard Rush, avec le batteur John Rutsey et le bassiste et chanteur principal Jeff Jones . Jones a été remplacé par Geddy Lee un mois plus tard, et Rutsey a été remplacé par Neil Peart en 1974, après quoi la composition est restée inchangée jusqu'à la dissolution du groupe en 2018. Lifeson était le seul membre de Rush à rester dans le groupe pendant toute son existence. Lui et Lee sont les seuls membres à apparaître sur tous les albums du groupe. Il est le nouveau membre du groupe de new wave Devo depuis 2024.
Avec Rush, Lifeson a joué de la guitare électrique et acoustique, ainsi que d'autres instruments à cordes tels que la mandole , la mandoline et le bouzouki . Il a également chanté en chœur lors de performances en direct et de certains enregistrements en studio, et a parfois joué du clavier et des synthétiseurs à pédale de basse. Comme les autres membres de Rush, Lifeson a effectué le déclenchement en temps réel sur scène d' instruments échantillonnés. Avec ses camarades de groupe Geddy Lee et Neil Peart , Lifeson a été nommé officier de l' Ordre du Canada le 9 mai 1996. Le trio a été le premier groupe de rock à être ainsi honoré en tant que groupe. En 2013, il a été intronisé avec Rush au Temple de la renommée du rock & roll.
RITCHIE BLACKMORE, celui qui mettra du blues dans le rock
Richard Hugh Blackmore (né le 14 avril 1945) est un guitariste anglais. Il est l'un des membres fondateurs et le guitariste principal de Deep Purple , jouant une musique hard rock de style jam qui mélange des riffs de guitare et des sons d'orgue . Il est prolifique dans la création de riffs de guitare et est connu pour jouer des solos à la fois d'influence classique et basés sur le blues . En tant que membre de Deep Purple, Blackmore a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en avril 2016.
Il avait 11 ans lorsque son père lui a offert sa première guitare à certaines conditions, notamment pour apprendre à jouer correctement. Il a donc pris des cours de guitare classique pendant un an. Blackmore a quitté l'école à 15 ans et a commencé à travailler comme apprenti mécanicien radio à l'aéroport d'Heathrow . Il a pris des cours de guitare électrique avec le guitariste de studio Big Jim Sullivan. En 1960, il commence à travailler comme musicien de studio pour les productions musicales de Joe Meek et joue dans plusieurs groupes.
Blackmore rejoint un groupe appelé Roundabout à la fin de 1967 après avoir reçu une invitation de Chris Curtis alors qu'il vivait à Hambourg. Curtis est à l'origine du concept du groupe, mais sera contraint de partir avant que le groupe ne soit complètement formé. Après que la composition de Roundabout soit complète en avril 1968, Blackmore est crédité d'avoir suggéré le nouveau nom Deep Purple, car c'était la chanson préférée de sa grand-mère. Le premier album studio de la deuxième formation de Purple, In Rock (1970), marque une transition dans le son du groupe du rock progressif au hard rock. Le groupe comprendra alors le chanteur rock Ian Gillan et le bassiste Roger Glover.
Le guitariste Steve Vai s'est montré plus élogieux à propos du rôle de Blackmore dans le développement des idées de chansons : « Il a su apporter du blues au rock comme personne d'autre. »
Blackmore a quitté le groupe pour diriger un nouveau groupe, Rainbow en 1975. Rainbow était à l'origine pensé comme une collaboration ponctuelle avec le chanteur Ronnie James Dio et son groupe de blues rock Elf comme musiciens de studio mais perdura comme un projet de groupe permanent avec une série de sorties d'albums et de tournées. Ritchie Blackmore reprendra plus tard la route avec ses compatriotes d'origines pour le bonheur des fans.
ACE FREHLEY, le rocker atmosphérique derrière le personnage
Paul Daniel « Ace » Frehley ( né le 27 avril 1951 ) est un musicien américain qui fut le guitariste principal original, chanteur occasionnel et membre fondateur du groupe de rock Kiss . ​​Il a inventé le personnage de The Spaceman ( alias Space Ace ) et a joué avec le groupe depuis sa création en 1973 jusqu'à son départ en 1982. Après avoir quitté Kiss, Frehley a formé son propre groupe nommé Frehley's Comet et a sorti deux albums avec le groupe. Il s'est ensuite lancé dans une carrière solo, qui a été interrompue lorsqu'il a rejoint Kiss en 1996 pour une tournée de retrouvailles très réussie.
Frehley est connu pour son jeu de guitare agressif, atmosphérique et mélodique et est également connu pour l'utilisation de nombreuses guitares à « effets spéciaux », notamment une guitare Gibson Les Paul qui émet de la fumée du micro humbucker du manche et produit des pyrotechnies tournantes et une Les Paul personnalisée qui émet de la lumière en fonction du tempo de la chanson . Frehley a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2014 en tant que membre de Kiss.
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Fin 1972, son ami, Chris Cassone, a repéré une annonce pour un guitariste principal dans The Village Voice et a montré l'annonce à Frehley. Frehley s'est rendu au 10 East 23rd Street au-dessus du Live Bait Bar et a auditionné pour Paul Stanley (guitare rythmique), Gene Simmons (guitare basse) et Peter Criss (batterie). Frehley s'est présenté portant une basket rouge et une orange et était visuellement peu impressionnant, mais le groupe a aimé ce qu'ils ont entendu de son jeu. Environ trois semaines plus tard, le groupe a nommé Frehley comme guitariste principal. En janvier 1973, le groupe a trouvé le nom Kiss . ​​Frehley a conçu le logo à double éclair du groupe, qui a été peaufiné par Stanley.
Le groupe a rapidement décidé de se peindre le visage pour les concerts et Frehley a décidé de commencer à peindre des étoiles argentées sur ses yeux. Lorsque le groupe a finalement décidé d'adopter des personnages de scène assortis à leur maquillage et à leurs costumes, Frehley est devenu Space Ace . Plus tard, son personnage de scène était également connu sous le nom de The Spaceman . Frehley a déclaré que ce personnage était inspiré par son intérêt pour la science-fiction et les voyages dans l'espace.
JAMES HETFIELD, le roi de la vitesse et de la précision
James ne peut certainement pas faire chanter la guitare comme Hendrix ou Satriani qui sont tous deux des dieux de la guitare. Cependant, il n'y a pas un seul humain sur cette planète qui puisse jouer de la guitare comme Hetfield, la vitesse n'est pas tout mais sa vitesse est inégalée, écoutez "Fight Fire with Fire" il n'y a pas un seul guitariste qui puisse jouer avec cette vitesse et cette précision et toujours avoir un son aussi lourd. Il a pratiquement défini le son de Metallica, Master of Puppets était sa création, et il peut jouer des solos tout aussi bien. Il n'a pas l'âme d'Hendrix ou de Satriani et ne joue pas de solos comme Slash ou Gilbert, mais l'homme peut contrôler complètement la guitare, définissant son groupe et tout un genre de musique. Il y a tellement de joueurs qui aspirent à être comme lui à cause des riffs tout simplement écrasants qu'il a écrits. C'est aussi un gars terre-à-terre malgré son talent.
James Hetfield est un musicien américain, né le 3 août 1963 à Downey, en Californie. Avec Lars Ulrich il est le cofondateur, chanteur et guitariste rythmique du groupe de thrash metal Metallica. C'est grâce à son frère David, son aîné de dix ans, qu'il s'initie à la guitare et accessoirement à la batterie. David Hetfield devient batteur et guitariste dans un groupe amateur spécialisé dans les reprises. James avait également pris quelques leçons de piano sous la pression de sa mère. N'étant guère disposé à suivre de longues études, James fait quantité de petits boulots tout en jouant dans d'éphémères formations locales (Obsession, Phantom Lord d'où le titre d'un morceau de Metallica...). Son premier groupe sérieux est Leather Charm, jusqu’à sa rencontre avec Lars Ulrich par l'entremise d'une annonce postée dans le journal The Recycler.
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Lars a des contacts dans le monde du heavy metal, un de ses amis produit une compilation qui met en vedette des groupes locaux. Son ami accepte de lui garder une place sur l'album, mais Lars n'a pas encore de groupe. La volonté de James de paraître sur cet album lui fait accepter de former un groupe avec Lars, Metallica est né. James considère Aerosmith comme sa plus grande influence musicale quand il était enfant, il a même déclaré que c'est ce groupe qui l'a poussé à jouer de la guitare. D'autres groupes tels que Saxon, Motörhead, Black Sabbath, Diamond Head, Iron Maiden, Queen, Lynyrd Skynyrd, AC/DC, Blue Öyster Cult et Thin Lizzy ont également été des influences majeures sur ses goûts musicaux. Il a également cité Rush et Alice Cooper dans son discours au Rock and Roll Hall of Fame en 2009.
SLASH, l'inspiration avec la pédale au fond
Saul Hudson, connu professionnellement sous le nom de Slash, est un musicien et auteur-compositeur britanno-américain. Il est surtout connu comme le guitariste principal du groupe de hard rock américain Guns N' Roses, avec lequel il a connu un succès mondial à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Il n'y a pas de chanson dans laquelle Slash joue de la guitare qui soit nulle. Il fait juste ce qu'il aime. Son jeu de guitare est incroyable. Il a juste « touché juste » comme personne d'autre ne l'avait vraiment fait dans le passé, ou ne l'a fait systématiquement depuis.
L'une des raisons pour lesquelles il est si bon est qu'il aurait joué ce qui lui venait à l'esprit au moment où il était en studio. Donc quelqu'un lui donnait une chanson, et il se laissait aller et jouait ce qui lui venait (pure inspiration). C'est essentiellement ce qui se retrouvait sur l'album. En général, il ne passe pas des semaines à essayer de rassembler quelque chose, et c'est pourquoi ses solos coulent si bien et font vraiment mouche.
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Né à Hampstead , Londres, [ 6 ] Slash a déménagé à Los Angeles avec son père alors qu'il avait six ans. Ses parents étaient tous deux actifs dans l'industrie du divertissement, et il a été surnommé Slash alors qu'il était enfant par l'acteur Seymour Cassel . En 1983, il a rejoint le groupe de glam metal Hollywood Rose , puis en 1985, il a rejoint Guns N' Roses (qui était composé d'anciens membres de Hollywood Rose et de LA Guns ), en remplacement du membre fondateur Tracii Guns .
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En 1994, au milieu des tensions croissantes au sein de Guns N' Roses, Slash forme le supergroupe Slash's Snakepit , et en 1996, après des tensions croissantes avec Axl Rose , il quitte Guns N' Roses. En 2002, il cofonde le supergroupe Velvet Revolver avec le chanteur Scott Weiland , qui rétablit Slash en tant qu'artiste grand public du milieu à la fin des années 2000. En 2012, il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en tant que membre de la formation classique de Guns N' Roses.
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GLEN TIPTON, celui par qui le son Heavy Métal est arrivé
Glenn Tipton est vraiment l'un des guitaristes les plus sous-estimés de tous les temps, si ce n'est LE plus sous-estimé. Ses solos sont incroyables. Ils sont rapides, agressifs, mélodiques et si complexes et techniques que certains de ses solos sont extrêmement difficiles à enregistrer.
Glenn Raymond Tipton né le 25 octobre 1947 près de Birmingham en Angleterre. Le guitariste, compositeur et producteur a acquis une renommée mondiale en tant que membre de Judas Priest pendant près de quarante ans et au cours de cette période, il a également sorti deux albums solo. Son nom est synonyme de rock et de heavy metal et au fil des ans, sa musique a ouvert la voie et a contribué à inspirer de nombreux jeunes musiciens et guitaristes au cours de leurs premières années et de leurs carrières réussies. Il a rejoint Judas Priest en 1974 avant la sortie du premier album du groupe, Rocka Rolla, et l'alchimie qui s'est développée au sein du groupe leur a valu un succès incroyable. Priest a conquis la planète avec son style puissant et unique de Heavy Metal et le quintet révolutionnaire est devenu depuis lors l'incarnation même du métal.
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Les années 1980 ont été la percée commerciale de Judas Priest avec British Steel . Cet album combinait le son heavy metal caractéristique du groupe avec des structures et des refrains de style pop. « United » et « Breaking the Law » ont été parmi les premières chansons de Judas Priest axées sur la guitare à ne pas inclure de sections solo. Judas Priest est rapidement devenu une superstar du rock dans les années 1980 avec ses albums Point of Entry , Screaming for Vengeance , Defenders of the Faith , Turbo et Ram It Down , entrant dans les années 1990 avec l'album Painkiller.
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Rob Halford quitte Judas Priest en 1992 et le groupe fait une pause. Pendant leur séparation, Tipton écrit des chansons pour un projet solo qu'il a formé au milieu des années 1990. Le 12 février 2018, Tipton annonce qu'il se retire de la tournée lorsqu'il révèle qu'on lui a diagnostiqué la maladie de Parkinson.
À l'écoute des bluesmens, ses autres influences de la première heure furent Jimi Hendrix , Deep Purple et Led Zeppelin . « Je n'arrive toujours pas à croire d'où vient Hendrix. OK Seattle peut-être mais il est apparu soudainement, comme de nulle part, ce gars noir jouant de la guitare d'une manière que personne n'aurait imaginée.
DAVID GILMOUR, celui avec qui un solo est une mélodie
BILLY DUFFY, celui qui rock encore avec une vieille Gretch White Falcon
Billy Duffy n'est pas un Van Halen ou un James Hetfield de ce monde mais son amour du blues et ses influences punk et rock des années 70 on façonné le style bien à lui de communiquer son rock avec ses légendaire ''archtop guitar''.
William Henry Duffy (né le 12 mai 1961) est un musicien de rock anglais, mieux connu comme le guitariste du groupe The Cult . Duffy est né et a grandi à Manchester , en Angleterre. Il a des origines et des ancêtres irlandais et juifs. Il a commencé à jouer de la guitare à l'âge de quatorze ans, influencé par la musique de Queen , Thin Lizzy , The Who , Aerosmith , Blue Öyster Cult et les premiers travaux de Led Zeppelin . À la fin des années 1970, il s'est impliqué dans le mouvement punk, influencé par les New York Dolls , les Stooges , Buzzcocks , les Sex Pistols et AC/DC . Il a commencé à jouer de la guitare solo avec un certain nombre de groupes de punk rock différents alors qu'il était encore à l'école à la fin des années 1970, notamment les Studio Sweethearts.
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Peu de temps après, il rencontra Ian Astbury , alors leader/chanteur du Southern Death Cult , qui fut suffisamment impressionné par les talents de Duffy pour quitter le Southern Death Cult pour fonder avec lui un nouveau groupe appelé Death Cult. Après avoir sorti deux singles, le groupe raccourcit son nom en Cult. Dans le premier single du Cult, Spiritwalker, Duffy créa un son flanged distinctif en utilisant une guitare alors démodée : une Gretsch White Falcon du milieu des années 1970 , qui devint plus tard l'instrument principal de Duffy. Le premier album du Cult, Dreamtime , sortit en 1984, suivi en 1985 par Love , qui contenait le tube She Sells Sanctuary.
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Pour le troisième album du groupe, Electric (1987 ), Duffy a contribué à faire évoluer le son vers un style metal-blues. En 1988, Duffy a déménagé à Los Angeles avec Astbury, où ils résident toujours. Là, les deux partenaires d'écriture (avec le bassiste de longue date Jamie Stewart ) se sont tournés vers le rock de stade et ont enregistré Sonic Temple . Le groupe a atteint un public plus large et plus grand public, mais l'attention du public n'a pas pu être maintenue avec leur album suivant, Ceremony , à l'aube de l' ère du grunge .
EDGE, maestro des effets et architecte sonore
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BILLY GIBBONS, un coeur de blues dans un corps de rock
STEVE HACKETT, solo dramatique au mélange de classique au rock
3 KING PIN au sommet de leurs arts
ADRIAN SMITH, DAVE MURRAY, JANICK GERS, l'un ne va pas sans l'autre. Un trio inséparable
Comment Iron Maiden a réalisé « l'idée folle » de trois guitaristes
Adrian Smith pensait que le fait qu'Iron Maiden ait trois guitaristes était une « idée folle » lorsque cela a été suggéré pour la première fois, se souvient-il, et il explique comment le single de 2000 « The Wicker Man » a joué un rôle dans sa réussite.
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Lorsqu'il revient dans le groupe en 1999 après neuf ans d'absence, le bassiste Steve Harris ne veut pas perdre Janick Gers, le remplaçant de Smith. Au lieu de cela, le groupe devient un groupe de six musiciens, dont le guitariste vétéran Dave Murray. Dans une interview avec Planet Rock (via Blabbermouth ), Smith a déclaré : « Cela aurait pu mal tourner, n'est-ce pas ? Imaginez ça avec trois Yngwie [Malmsteen] ou trois Ritchie Blackmore . Ça n'aurait pas marché. » Smith a noté que Murray et lui étaient « déjà ensemble depuis longtemps » : « Au début, je pensais peut-être que Jan et moi ferions chacun un demi-set ou quelque chose comme ça. Mais Steve a eu cette idée folle : il leur a suggéré d'avoir trois guitaristes. J'aurais aimé être dans la pièce quand il a dit ça ! »
Malgré les doutes, le trio a accepté de l'essayer dans une salle de répétition au Portugal. « Nous étions tous debout et nous nous regardions », se souvient Smith. « Et quelqu'un a dit : « Quelqu'un a des idées ? » Alors j'ai dit : « J'ai un riff. » J'ai donc eu « The Wicker Man », et nous avons commencé à le jouer, et ça a marché. Nous avons donc continué à partir de là. » L'album d'une sonorité exceptionnelle ''Brave New World est née de ses 3 king pin.
Smith a affirmé que cette approche à trois volets était également efficace sur scène. « Étonnamment, ça marche », a-t-il déclaré. « Dans les vieux morceaux, il y a tellement d’harmonies, de solos à l’unisson, de riffs – je veux dire, c’est tellement de travail. En fait, ça marche bien avec trois guitares, surtout en live. » C'est pourquoi ce trio ne fait pas l'objet de fiches individuelles comme les autres. À 3 ils ne font qu'un bien qu'individuellement ils sont capable de très grandes choses.
Adrian Smith (Adrian H Frederik Smith), musicien britannique né le 27 février 1957 à Londres, est un des guitaristes du groupe de heavy metal Iron Maiden.
Au début des années 1970, il fait ses premiers pas dans le groupe Stone Free (en hommage à Jimi Hendrix) puis dans Evil Ways avec notamment son ami Dave Murray, à qui il avait acheté sa première guitare. Il rejoint Iron Maiden en octobre 1980, sollicité par Dave Murray pour remplacer Dennis Stratton. Il participe à l'enregistrement des albums depuis Killers jusqu'à Seventh Son of a Seventh Son. Son jeu de guitare est caractérisé par un grand soin dans l'écriture des solos, au contraire de Janick Gers et Dave Murray qui, la plupart du temps, improvisent
David Michael Murray (né le 23 décembre 1956) est un guitariste anglais, surtout connu comme membre du groupe de heavy metal Iron Maiden .
Il a rejoint Iron Maiden très tôt dans son histoire et est le deuxième membre le plus ancien du groupe après le fondateur Steve Harris . Lui et Harris sont les seuls membres d'Iron Maiden à être apparus sur tous les albums. Ayant grandi dans différents quartiers de Londres, Murray est devenu membre d'un gang de métalleux combattant les skinheads avant de s'intéresser à la musique rock à 15 ans et de former son premier groupe Stone Free avec Adrian Smith. Après avoir quitté l'école à 15 ans, il répondait régulièrement à des annonces parues dans Melody Maker avant d'auditionner pour Iron Maiden en 1976.
Janick Robert Gers est un des guitaristes du groupe de heavy metal Iron Maiden, né le 27 janvier 1957 à Hartlepool (Angleterre).
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Il est guitariste du groupe White Spirit à partir de 1975 avant de rejoindre en juin 1981 Gillan, le groupe formé par l'ancien chanteur de Deep Purple, Ian Gillan, dans lequel il est présent jusqu'en décembre 1982. Après ces expériences en groupe, il joue pour différents artistes comme Fish de Marillion puis pour Bruce Dickinson, le chanteur d'Iron Maiden. C'est à ce moment, en 1990, qu'il lui est proposé de rejoindre le célèbre groupe qui vient de vivre le départ d'Adrian Smith. Ce dernier réintègre Iron Maiden en 1999, sans entrainer le départ de Gers. Le groupe évolue désormais à trois guitaristes. Gers a aussi été membre du groupe Gogmagog, avec Clive Burr et Paul Di'Anno.
Une batterie est un instrument de musique qui, la plupart du temps, est utilisé comme base rythmique (en conjonction avec la guitare basse, on parle de section rythmique). Elle peut être jouée pour tous types de musiques, du jazz au metal en passant par la soul, les musiques funky, le disco, la pop... La composition d'un set de batterie et de ses accessoires varie selon le type de musique joué : pour le metal, beaucoup de toms sont souvent utilisés ainsi qu'une double pédale pour une plus grande vélocité avec la grosse caisse. Le choix du diamètre et du matériau des baguettes ou autres types de percuteurs joue aussi un rôle important.
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Son origine profonde est pluriculturelle et ancienne : la caisse claire (vers 1850) et la grosse caisse (XVIIe siècle) sont d'origine européenne3. Les cymbales sont issues d'Orient et sont probablement un des instruments les plus anciens du monde. Ainsi les premières traces d'objets s'apparentant à des cymbales remontent au IIIe millénaire av. J.-C., en Inde. Les toms, quant à eux, trouvent leurs racines dans les percussions amérindiennes et africaines et furent probablement inventés à la même période que les vases en terre cuite. La charleston, bien que travaillé jusqu'à sa forme actuelle par le jazz dans les années 1920, provient d'un instrument de percussion romaine datant de l'Antiquité : le scabellum.
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À la fin du XIXe siècle à La Nouvelle-Orléans, des tournois (cutting contests) ont lieu, opposant des fanfares (brass bands) entre elles3. Le terme de batteur dans un orchestre apparait à cette époque3.
Avec l'évolution du style de La Nouvelle-Orléans, la batterie, qui n'était à l'époque que l'assemblage d'une grosse caisse, d'une caisse claire et d'une cymbale, s'est beaucoup complexifiée au fil du temps, connaissant son véritable développement, surtout à l'âge d'or du jazz, la période bop et hard bop (1945-1969).
Buddy Rich, le roi des bagettes
Connu pour sa puissance, son énergie, sa technique sans faille et son incroyable vitesse de frappe, Buddy Rich est largement considéré comme l'un des batteurs les plus influents de tous les temps, sinon le plus influent. Rich a commencé à jouer de la batterie à l'âge de 18 mois dans un vaudeville et il est devenu chef d'orchestre officiel à l'âge de 11 ans. Buddy Rich a joué avec certains des musiciens les plus acclamés du XXe siècle, dont Charlie Parker, Frank Sinatra, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Count Basie, Harry James et de nombreux autres musiciens et chefs d'orchestre. Buddy Rich est également connu pour ses incroyables solos de batterie qui mettent en valeur non seulement sa vitesse et sa technique, mais aussi son sens du spectacle grâce à l'utilisation de divers tours de baguette !B
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Bernard « Buddy » Rich (30 septembre 1917 à New York - 2 avril 1987) est né dans une famille juive du quartier de Brooklyn à New York. Son père découvrit que Buddy était familier avec le rythme, car il était capable de battre de façon rythmée à l'âge d'un an. Sa plus grande qualité était son habileté et sa rapidité sur des doigtés frisés (alternance : un coup main gauche, un coup main droite). Buddy a commencé à battre dans un music-hall à l'âge de 18 mois, surnommé alors Traps the Drum Wonder. À 11 ans, il avait son propre groupe. En 1937, il commence à jouer du jazz avec Joe Marsala, puis avec Bunny Berigan (1938), Artie Shaw (1939), Tommy Dorsey (1939-1942, 1945, 1954-1955), Benny Carter (1942), Harry James (1953-1956), Les Brown, Charlie Ventura, Jazz at the Philharmonic, tout comme dans son propre groupe, tout en accompagnant de célèbres groupes de musique.
Il assiste aux débuts de Frank Sinatra, avec qui il fait un temps partie du Tommy Dorsey Orchestra. Il va aussi jouer avec Art Tatum, au début des années 1950 et en tant que leader de petites formations. Il enregistre également un album en trio avec Lester Young et Nat King Cole en 1955. Buddy Rich tourne avec Flip Phillips et le trio d'Oscar Peterson, ils enregistrent l'album Live in Miami en 1957. Une étude sur le jeu de Buddy Rich dans cet album a été réalisée par Guillaume Nouaux dans l'ouvrage Jazz Drums Legacy, le langage de la batterie jazz chez Mc éditions (2012).
À partir de 1966 et jusqu'à sa mort, il a mené un big band, alors que leur popularité était déclinante depuis les années 1930. Sa pièce la plus connue est l'arrangement de West Side Story. En tant que meneur de groupe, il était réputé pour son caractère explosif. Sur son lit de mort, une infirmière lui aurait demandé s'il était allergique à quoi que ce soit. Il aurait répondu : « Oui, à la musique country ! » Il est enterré au Westwood Village Memorial Park Cemetery à Los Angeles, Californie. Buddy Rich jouait sur une batterie Slingerland et des cymbales Zildjian.
JOHN BONHAM, batteur de puissance
John Bonham est l'un des plus grands batteurs de rock de tous les temps. Il était connu pour être le batteur du groupe de rock Led Zeppelin. Bonham a été influencé par de nombreux grands noms du jazz, dont Max Roach, Gene Krupa et Buddy Rich. Ses influences jazz ont eu un impact significatif sur la façon dont il a joué avec Led Zeppelin, car beaucoup de leurs compositions présentaient une sensation de swing. Il continue d'être reconnu pour son toucher et son groove, sa vitesse du pied droit avec une seule pédale de grosse caisse et sa puissance derrière la batterie. John Bonham est apparu sur tous les albums sortis par Led Zeppelin.​
John Henry Bonham, dit Bonzo, né le 31 mai 1948 à Redditch, dans le Worcestershire, en Angleterre, et mort le 25 septembre 1980 à Clewer, est un des batteurs les plus renommés de l'histoire du rock par sa technique, sa puissance, son sens du groove et son influence. Il est, de la formation du groupe en 1968 à sa mort à 32 ans en 1980, le batteur de Led Zeppelin.
John Bonham, né en Angleterre à Redditch dans le Worcestershire, commence très jeune à frapper sur des pots et des casseroles avec des bâtons artisanaux en copiant le style de ses idoles, Gene Krupa et Buddy Rich. À 10 ans, sa mère lui offre un tambour, qu'il ne lâchera plus jamais, et, à 15 ans, il reçoit sa première batterie, de marque Premier, cadeau de son père dont il prit toujours soin.
Après avoir quitté l'école publique Wiltan House, il travaille pour son père, Jack Bonham, dans la construction, tout en participant comme batteur avec divers groupes locaux. En 1964, il monte son premier groupe de musique officiel, Terry Web and The Spiders, avec des amis lycéens. À l'époque, il n'a pas encore acquis le style qualifié d'agressif qu'on lui connaîtra plus tard. Il joue ensuite avec une série de groupes locaux tels que The Nicky James Movement, A Way of Life ou Steve Brett and The Mavericks. À 18 ans, il rencontre sa future épouse Pat Phillips à Kidderminster, réticente au mariage pendant un certain temps, craignant qu'il ne réussisse pas sa carrière de batteur. « Bonzo » tente sans cesse de la rassurer à ce sujet. Il joue pour d'autres groupes de Birmingham comme The Blue Star Trio and The Senators qui publie un 45-tours au succès relativement modeste, She's a Mod. Bonham apprécie l'expérience et décide de se consacrer entièrement à la batterie. Deux ans plus tard, il rejoint A Way Of Life mais le groupe devient vite inactif. Afin de s'assurer un revenu plus régulier, John rejoint les Crawling King Snakes, un groupe de blues dont le chanteur est le jeune Robert Plant.
Durant cette période, Bonham passe pour l'un des plus bruyants batteurs de toute l'Angleterre : il crève souvent la peau de ses instruments, et les clubs lui demandent parfois d'arrêter de jouer au cours des concerts. Lors d'une session dans un studio de Birmingham, le propriétaire lui demande de quitter les lieux : il joue trop fort et il n'y a pas d'avenir pour un batteur aussi bruyant. Dix ans plus tard, Bonham lui enverra un disque d'or de Led Zeppelin avec la dédicace : « Merci pour le conseil sur la carrière ». Son son est toujours la référence pour les batteries rock enregistrées et son influence se poursuit jusqu'à aujourd'hui grâce à la nature tonitruante des coques surdimensionnées. Quand il n'était pas en train de faire rebondir des triolets de doubles croches ridiculement rapides avec un seul pied, ou d'exécuter des triolets incroyablement fulgurants entre ses mains et ses pieds, Bonham frappait la batterie à mains nues. Mais tout n'était pas percutant : Bonham avait la subtilité et le feeling pour compléter le côté plus dur de son jeu avec un groove rebondissant toujours présent et beaucoup de texture pour remplir l'instrumentation guitare/basse/batterie de Zeppelin.
NEIL PEART, le très technique et précis batteur
Neil Peart était le batteur du groupe de rock progressif Rush. Au cours de sa carrière, il est devenu l'un des visages les plus reconnus du monde de la batterie. Peart a repoussé les limites musicales de la musique rock et a ouvert la voie à la future génération de batteurs de rock. Peart a été reconnu et loué pour de nombreux aspects de son jeu de batterie, notamment ses parties de batterie composées et ses solos de batterie en concert. Le jeu légendaire de Neil Peart apparaît sur 19 des albums studio de Rush. Ses grooves légendaires entendus dans des chansons comme « Tom Sawyer » et « 2112 » sont devenus des hymnes de la batterie aérienne dans le monde entier.
Neil Ellwood Peart, O.C., né le 12 septembre 1952 à Hamilton en Ontario et mort le 7 janvier 2020 à Santa Monica en Californie, est un musicien et auteur canadien. Il a été le batteur et le principal parolier du groupe rock progressif Rush de 1974 jusqu'à son décès. Neil Peart rejoint Rush en 1974, en remplacement du batteur John Rutsey. Tôt dans sa carrière, il ancre son style dans le hard rock. Son inspiration vient en grande partie des batteurs les plus réputés de la scène britannique, comme Keith Moon et John Bonham1. Au fur et à mesure des années, il oriente son style vers le jazz dans la lignée de Gene Krupa et Buddy Rich. Neil Peart a reçu de nombreuses récompenses pour ses performances musicales et est réputé pour ses talents techniques et son énergie. Il a aussi publié plusieurs livres au sujet de ses voyages.
Il n'y a jamais eu de groupe comme Rush, et il n'y a certainement jamais eu de batteur comme Neil Peart. Tout dans la batterie de Peart était innovant, depuis les arrangements soigneusement orchestrés du pic progressif de Rush jusqu'aux capacités techniques époustouflantes affichées tout au long de sa carrière. Il jouait sur un kit de la taille d'un vaisseau spatial, et il en jouait comme s'il venait d'une autre planète, incorporant non seulement une grande quantité de batterie acoustique, mais aussi de l'électronique, des percussions orchestrales et accordées, qui avaient toutes un but plutôt que d'être là dans le cadre du spectacle. L'impact de Rush dans les années 70 a été contagieux, les débuts du groupe étant davantage ancrés dans le style « rock classique », conduisant des milliers d'adolescents directement à la batterie la plus proche afin d'essayer de reproduire les rythmes et les remplissages de Peart. Au fur et à mesure que le groupe progressait, la sophistication de la musique augmentait également, mais le côté rock classique et riffy de ce qui avait attiré les fans vers leur musique en premier lieu n'était jamais très loin. Neil Peart est connu pour avoir écrit la majeure partie des paroles de Rush, et son décès en 2020 après une bataille contre un cancer du cerveau a non seulement mis fin au groupe, mais a également ébranlé le monde de la batterie en son cœur.
STEWART COPELAND, le métronome de la percussion
Stewart Copeland est né à Alexandria, en Virginie, mais a rapidement déménagé avec sa famille à Beyrouth, au Liban, où son père était chef de la station de la CIA de la ville du Moyen-Orient. C'est là que Stewart a découvert son talent et son amour pour la batterie. Son frère aîné Ian jouait de la batterie dans un groupe local et, suivant les traces de son frère, Stewart a pris une paire de baguettes et a commencé à jouer. Son talent pour cet instrument l'a presque immédiatement distingué de son frère. Alors qu'Ian a rapidement abandonné la batterie, Stewart a trouvé son but et son utilité dans la batterie.
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Encouragé et aidé par son père, qui en plus de sa carrière dans le renseignement était autrefois trompettiste dans le Glenn Miller Band, le premier professeur de Stewart était un vieux batteur de jazz. Copeland apprenait vite et avait une bonne oreille et a obtenu son premier vrai concert en jouant de la batterie alors qu'il n'était qu'à peine adolescent.​
Un déménagement soudain de sa famille en Angleterre lui ouvre de nouvelles opportunités de carrière dans le rock and roll, d'abord comme journaliste pour un magazine de batteurs, puis comme roadie, entre autres pour le groupe de rock progressif britannique Curved Air. En 1974/1975, lorsque le groupe se retrouve à la recherche d'un nouveau batteur, Curved Air engage Stewart, qui fait ses débuts sur les albums à succès Midnight Wire et Airborne . De plus, Curved Air lui présente la chanteuse Sonja Kristina, qui deviendra plus tard sa femme et la mère de trois de ses fils.
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Inquiet, Stewart décide de former un trio inspiré de l’ambiance et de l’énergie de la musique punk. Il baptise ce projet « The Police », un nom provocateur à l’époque qui capitalise sur les bagarres quotidiennes qui éclatent entre les punks et les forces de l’ordre : une présence policière régulière dans les rues de Londres signifie une publicité gratuite pour son groupe. Début 1977, Copeland fonde Police avec le chanteur-bassiste Sting et le guitariste Henry Padovani (qui sera bientôt remplacé par Andy Summers ), et ils deviennent l'un des meilleurs groupes de la fin des années 1970 et du début des années 1980. Copeland est le plus jeune membre du groupe. La liste des premiers titres de Police (avant leur premier album) est en grande partie composée par Copeland. Après la dissolution de Police en 1986, Copeland se lance dans une carrière de compositeur de bandes sonores pour le cinéma. Copeland a également joué occasionnellement de la batterie pour d'autres artistes. Peter Gabriel a embauché Copeland pour jouer sur sa chanson « Red Rain » de son album So de 1986 en raison de sa « maîtrise du charleston ».
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Copeland a grandi en écoutant un mélange de musique libanaise, de rock and roll, de jazz et de reggae, mais il a choisi parmi ces styles ce dont il avait besoin plutôt que de les imiter. Dans les années 1980, alors que de nombreux musiciens recherchaient un son plus puissant avec des tambours plus gros, il a ajouté des Octobans . Inventés par Tama Drums en 1978, les Octobans étaient constitués de huit tambours de six pouces en forme de tubes étroits. Il a utilisé une autre innovation, une cymbale splash basée sur un jouet qu'il possédait et qu'il a aidé Paiste à concevoir. Il s'est beaucoup appuyé sur ses charleston de 13 pouces. Bien qu'il soit gaucher, Copeland joue sur une batterie pour droitier, plaçant les charleston à sa gauche et les cymbales ride et les toms basse à sa droite. Il utilise une large gamme dynamique et démontre une maîtrise de l'articulation de style jazz dans son jeu de caisse claire , entrecoupant des back-beats forts avec des rim comping doux . Au cours de ses années avec Police, il est devenu connu pour n'utiliser que le charleston avec la grosse caisse pour garder le rythme.
NICKO McBRAIN, le batteur qui ne donne pas le rythme mais qui le suit à la trace
ESTEPARIO SIBERIANO, l'innovateur et enseignant nouvelle génération
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ALEX ACUÑA, l'incarnation du batteur et percussioniste de musique du monde
Né à Pativilca, au Pérou, à 160 km au nord de Lima, Alex Acuña est né dans une famille de musiciens qui l'a inspiré et l'a aidé à devenir musicien. Son père et ses cinq frères étaient tous musiciens. Alex a appris à jouer de la batterie tout seul dès l'âge de quatre ans. À dix ans, il jouait déjà dans des groupes locaux. Adolescent, il s'installe à Lima et devient l'un des batteurs de studio les plus accomplis du Pérou, participant à de nombreux projets d'enregistrement pour des artistes, ainsi qu'à des productions cinématographiques et télévisuelles.
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À Lima, Alex acquiert également une réputation élogieuse pour ses performances live. À tel point qu'à l'âge de dix-huit ans, Alex est choisi par le grand chef d'orchestre latin, Perez Prado, pour rejoindre son big band. C'est avec le groupe Prado qu'Alex se rend pour la première fois aux États-Unis. En 1967, Alex s'installe à Porto Rico pour travailler comme musicien de studio et jouer localement. Durant cette période, il étudie également pendant trois ans au Conservatoire de musique de Porto Rico, jouant comme percussionniste classique avec l'Orchestre symphonique sous la direction du célèbre maître violoncelliste espagnol Pablo Casals.
Alex s'installe à Las Vegas en 1974, où il joue avec des grands noms comme Elvis Presley et Diana Ross. Entre 1975 et 1977, il entre dans l'histoire du jazz en devenant à la fois batteur et percussionniste pour l'un des groupes de jazz les plus innovants et pionniers de notre époque, Weather Report. Il se produit d'abord comme percussionniste (d'octobre 1975 à avril 1976), puis comme batteur (d'avril 1976 à octobre 1977). Il enregistre deux albums avec le groupe : "Black Market" (1976) et le très réussi "Heavy Weather" (1977), qui comprend les célèbres morceaux "Birdland" et "Havona". "Heavy Weather" devient le premier album de jazz-fusion à se vendre à un million d'exemplaires.
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Alex s'installe ensuite à Los Angeles, en Californie, en 1978, où il gagne rapidement le poste de batteur de studio et de percussionniste apprécié pour les enregistrements, la télévision et le cinéma. Ses innombrables albums incluent des artistes aussi divers que U2, Paul McCartney, Joni Mitchell, Ella Fitzgerald, Whitney Houston, Sergio Mendes, Yellow Jackets, Chic Corea, Julio Iglesias, Koinonia, Juan Gabriel, Luis Miguel, Placido Domingo, Wayne Shorter, Joe Zawinul et bien d'autres. Alex s'est également produit en live avec des artistes comme Al Jarreau, Roberta Flack, Antonio Carlos Jobim, The Gipsy Kings, Paco de Lucia, Carlos Santana, Herbie Hancock, Christina Aguilera et Tito Puente, pour n'en citer que quelques-uns. Alex a également enregistré des musiques de film sous la direction de Dave Grusin, Alan Silvestri, Michele Legrand, Bill Conti, Michele Colombier, Marvin Hamlish, Maurice Jarre, Mark Isham, Hans Zimmer, John Williams, Lalo Schiffrin et d'autres. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le prix Emeritus MVP de la NARAS (National Academy of Recording for the Arts and Sciences) et le prix du « Meilleur percussionniste latino-brésilien » du sondage des lecteurs de Modern Drummer pendant cinq années consécutives.
Les racines sud-américaines et caribéennes d'Alex et sa compréhension de la musique contemporaine et classique font de lui un maître musicien complet et compétent. En 2000, Alex Acuña y Su Acuarela De Tambores a reçu une nomination aux Grammy Awards pour le « Meilleur album latin tropical traditionnel » pour « Rhythms for a New Millennium ». Cet album solo comprenait différents styles de percussions latines, sud-américaines et africaines. Cette nomination a confirmé les vastes connaissances et l'expertise d'Alex en matière de rythmes de percussion. Zan Stewart du Los Angeles Times a écrit : « Alex Acuña est l'incarnation du percussionniste de musique du monde, à qui aucun style n'est étranger ». De plus, Alex a composé de la musique pour divers artistes et a produit « Thinking of You » d'Alex Acuña and the Unknowns, « Rumberos Poetry » de Tolú et « Aliyah » de Kay Silberling. Cette année verra également la sortie de « Bongo de Van Gogh » de Tolú, l'album suivant des Unknowns, et plusieurs projets pour NIDO Entertainment.
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Alex est largement connu comme un éducateur, un professeur doué et un clinicien de batterie et de percussions. Il a enregistré quatre vidéos pédagogiques en solo et donne des séminaires dans des universités telles que UC Los Angeles, Berklee School of Music à Boston et d'autres grandes écoles de musique internationales. DW Drums, Zildjian Cymbals, Gon Bops Percussion, Gibraltar, Vic Firth, Evans et Shure microphones sponsorisent tous Alex. On lui attribue également la conception de la gamme de cymbales « Azuka » de Zildjian, des baguettes et du sac pour baguettes Vic Firth, de la gamme de congas, bongos, timbales, cajons et cloches signature Alex Acuña de Gon Bops Percussion.
IAN PAICE
TOMMY ALDRIDGE, celui qui a établi la norme pour la batterie rock à double basse
VINNY APPICE, à la bonne place, au bon moment et à la bonne époque
La guitare basse, basse électrique ou simplement basse, est un instrument de musique à cordes conçu selon le même principe que la guitare électrique, mais avec une tessiture plus grave. Comme la contrebasse dont elle est inspirée, la guitare basse est généralement utilisée pour jouer la ligne de basse au sein de la section rythmique d'un ensemble musical, même si elle est également utilisée comme instrument soliste par certains musiciens. La basse peut se jouer aux doigts ou avec un médiator. Il existe plusieurs techniques de jeu à la basse, comme le slap.
La basse électrique est un instrument né aux États-Unis. En 1951, la Precision Bass vendue par Fender est le premier modèle commercialisé en masse ; la Fender Jazz Bass, sortie en 1960, est un autre modèle très répandu. La basse est un instrument qui a d'abord été conçu pour être électrique ; en 1972, la basse acoustique voit le jour. Plusieurs évolutions sont apparues au fil des années, comme la basse fretless ou les basses à cinq cordes, six cordes ou plus, les instruments sans tête ou multidiapason. La basse, par son accompagnement dans les fréquences graves, est considérée comme le « pilier » de la section rythmique d'un groupe en complément de la batterie. L'oreille humaine perçoit en effet mieux les pulsations rythmiques dans les basses fréquences. La basse est conçue, tout comme la guitare électrique, pour pallier le manque de puissance des instruments acoustiques utilisés dans la musique country, le rock 'n' roll, ou le jazz mais aussi pour s'affranchir de la contrainte de l'encombrement de la contrebasse.
La première guitare basse est commercialisée en 1933 par Paul Tutmarc, mais le premier modèle produit en masse est la Precision Bass de Fender en 1951-1952. En dehors de la contrebasse, il n'existait jusqu'alors que quelques instruments à corde traditionnels dans cette tessiture comme le guitarrón mexicain, la balalaika russe dans ses versions basse et contrebasse, et dans certains pays africains ou arabes, comme la contrebassine ou le guembri. Bien que Fender et Gibson aient le contrôle des ventes, un autre joueur technique est venu faire son entrée dans le marché.
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En 1957, Rickenbacker se lance dans la production de basses électriques avec la série des 4000. Ces instruments présentent la particularité d'avoir un manche traversant le corps, produisant ainsi une sonorité distinctive associée à ce fabricant. La Rickenbacker 4001, emblématique du rock progressif et du heavy metal des années 1970, sort en 1961. Cette basse à l'esthétique particulière et au son puissant et clair marque l'histoire du rock grâce à des musiciens tels que Paul McCartney, Chris Squire de Yes, Geddy Lee de Rush, Michael Rutherford de Genesis, Lemmy de Motörhead ou encore Cliff Burton de Metallica. Après le rock progressif, le mouvement punk et new wave s'empare également de la Rickenbacker. Rickenbaker sort notamment une version stéréo (4001 stéréo) qui permet de brancher les deux micros sur deux amplis séparément en offrant ainsi des possibilités de réglages précis.​​​
Lemmy Kilmister, le révolutionnaire de la basse lourde et parrain du Métal
La chanson la plus emblématique de Motörhead, « Ace of Spades », s’ouvre avec Lemmy Kilmister jouant une ligne de basse solo en claquettes avant de tomber dans une mélodie qui donne l’impression que sa Rickenbacker se dirige tout droit vers l’enfer alors qu’il chante sur le sentiment d’être « né pour perdre ». Que ce soit dans sa poésie ou dans son jeu de basse, l’esthétique de Kilmister était axée sur l’abandon téméraire. Avant Motörhead, il était guitariste rythmique et est passé à la basse pour jouer avec les rockers de l’espace Hawkwind. « [La basse], c’est comme jouer de la guitare sans les deux cordes supérieures », a dit un jour Kilmister . « J’ai juste fait des accords avec les cordes qu’il me restait. C’est peu orthodoxe, mais ça marche pour nous. » Après que sa prédilection pour les aigus l’a fait évincer de ce groupe, il a développé son propre style brut. « Lemmy a eu une influence sur moi dans sa façon d'utiliser la distorsion, c'était différent, nouveau et excitant », a déclaré un jour Cliff Burton, le bassiste de Metallica . L'approche de Kilmister correspondait parfaitement à sa voix de papier de verre et à son esprit d'outsider, et cela le rendait unique, une distinction dont il était fier. « Je pense que je joue comme personne d'autre », a-t-il déclaré un jour .
Ian Fraser Kilmister, dit Lemmy Kilmister, né le 24 décembre 1945 à Burslem (Angleterre, Royaume-Uni) et mort le 28 décembre 2015 à Los Angeles (Californie, États-Unis), est un musicien britannique, célèbre pour avoir été le fondateur, bassiste, chanteur, parolier principal et seul membre permanent du groupe de heavy metal Motörhead jusqu'à sa mort. Sa voix éraillée voire gutturale, son physique imposant, sa pilosité faciale caractéristique et son attitude rock 'n' roll en font une figure légendaire du heavy metal. En 1971, Lemmy intègre Hawkwind, groupe anglais de space rock, en tant que bassiste et chanteur. Il n'a encore aucune expérience avec une guitare basse, mais sait rapidement développer un style de jeu distinctif et unique, fortement influencé par son passé de guitariste rythmique. En 1975,
Lemmy est renvoyé de Hawkwind après son arrestation à la frontière canadienne pour recel de substances illicites. Il passe cinq jours en prison. Il forme alors un nouveau groupe nommé Bastards avec Larry Wallis (guitare), ancien des Pink Fairies et d'UFO, et Lucas Fox (batterie). Cependant quand le manager du groupe informe Lemmy qu'un groupe nommé « Bastards » ne pourra jamais décrocher une place au Top, il change le nom du groupe en Motörhead (motorhead est une vieille expression britannique désignant un « accro » aux amphétamines). Commence alors le succès du groupe. Le son du groupe plaît tout de suite aux fans de heavy metal, mais aussi aux fans du punk rock naissant. (Plus tard, Lemmy affirmera qu'il se sentait plus à l'aise avec le punk qu'avec le heavy metal.)
GEEZER BUTLER, la maîtrise des lourdes
Peu de temps après avoir rejoint Black Sabbath, Geezer Butler est passé de la guitare rythmique à la basse et a trouvé son propre style. N'ayant jamais joué de basse à quatre cordes qui définissait le rock des années 60, il a abordé l'instrument avec la sensibilité d'un guitariste, ajoutant des harmonies et des filigranes ornementaux aux parties du guitariste Tony Iommi. Le secret de l'impact de Black Sabbath réside dans la façon dont Butler et Iommi ont superposé leurs instruments pour obtenir un son puissant et percutant. Sur « War Pigs », Butler a joué un solo bluesy sous les riffs prolongés d'Iommi, et au milieu de la chanson, lorsque Iommi joue un solo, Butler joue son propre solo jazzy, inspiré de Jack Bruce, à chaque fois que le guitariste tient une note. Il y a aussi un sentiment de libération dans sa façon de jouer, comme sur « Slipping Away » de 1981, lorsqu’il échange des solos enjoués avec Iommi, et sur son propre solo marécageux aux accents wah-wah « Bassically », qui ouvre « NIB » – une astuce de guitare qu’il a adoptée bien avant les autres bassistes. Mais malgré son talent évident, Butler a toujours minimisé ses capacités. « Comme j’étais guitariste rythmique, je comblais les lacunes laissées par le guitariste principal », a-t-il dit un jour . « J’ai continué cela avec la basse : être le joueur rythmique.
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Terence Michael Joseph Butler dit Geezer, né le 17 juillet 1949 à Birmingham en Angleterre, est le bassiste du groupe Black Sabbath. Sa façon de jouer donne un son très lourd au groupe, caractéristique du son heavy metal.
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Geezer est aussi l'auteur des paroles du groupe durant l'ère Ozzy Osbourne, tournant souvent autour de thèmes sombres comme la mort et le mal. Ces thèmes sont abordés sous un angle positif, traitant de luttes réussies (ou non) contre le Démon, et font office de mises en garde contre les tendances sataniques et d'incitations à lutter contre elles. Lorsque Ronnie James Dio succède à Osbourne au micro de Black Sabbath, Butler lui laisse la tâche d'écrire les paroles, qui prennent alors une orientation plus « Heroic fantasy ».
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La toute première chanson que Geezer écrit avec Black Sabbath est la pièce homonyme sur le premier album. Elle est écrite après qu'Ozzy eut offert à Geezer un livre traitant de l'occultisme. En lisant ce livre, Geezer prétend avoir vu apparaitre autour de lui des démons noirs. Depuis, il s'est écarté de ses penchants pour l'occulte dont il cherche à en prévenir les dégâts dans des chansons comme Black Sabbath, After Forever ou encore Lord of This World).
CLIFF BURTON, Naissance de la Metal Militia
Lorsque Metallica s’est formé, James Hetfield, Dave Mustaine et Lars Ulrich n’avaient qu’une envie : se déchaîner sur un thrash metal qui casse les doigts. Jusqu’à ce qu’ils rencontrent Cliff Burton. Le bassiste jouait avec un groupe de metal rival et lorsqu’ils l’ont vu jouer un solo de basse époustouflant, ils ont tellement voulu l’intégrer à Metallica qu’ils ont quitté Los Angeles pour s’installer dans sa baie de San Francisco natale, à sa demande. Une fois dans le groupe, Burton a présenté les gars à REM, aux Misfits et à Bach, les ouvrant à une nouvelle musicalité, en ajoutant des fioritures orchestrales et une virtuosité de basse à certaines de leurs chansons les plus percutantes.
Son solo de basse, « (Anesthesia) — Pulling Teeth », sur leur premier album Kill 'Em All paru en 1983, est une démonstration agressive d’improvisation de musique classique et de lyrisme wah-wah, tandis que son introduction délicate sur « Damage Inc. » et le milieu de « Orion » ont montré à quel point le thrash pouvait être beau. Ses idées ont continué à trouver un écho auprès du groupe après sa mort dans un accident de bus en 1986. « Sans vouloir manquer de respect à personne, il était à un niveau différent », a dit un jour Ulrich à propos de Burton. « Quand est venu le moment de mettre ['Anesthesia'] sur un disque, au lieu d'en faire un simple solo de basse, nous en avons fait une composition. Cela lui ajoute une dynamique différente, presque comme des actes différents - comme l'acte un, l'acte deux et l'acte trois. » Cette sensibilité était si juste que lorsque Metallica a collaboré avec le San Francisco Symphony en 2019, le bassiste principal de l'orchestre a voulu interpréter « Anesthesia » en hommage à Burton.
Clifford Lee "Cliff" Burton né le 10 février 1962 à Castro Valley, Californie, et mort le 27 septembre 1986, est un musicien américain principalement connu pour être le deuxième bassiste du groupe de metal Metallica.​ Burton rejoint le groupe en 1982 en remplacement de Ron McGovney. Il enregistre avec eux les trois premiers albums studio du groupe, Kill 'Em All, Ride the Lightning et Master of Puppets, qui ont tous rencontré un succès commercial et critique. Burton est connu pour son approche lead bass, permettant à la basse de jouer un rôle mélodique et soliste, en plus de tenir les bases harmoniques et rythmiques du groupe.
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Le 27 septembre 1986, Burton décède lorsque le bus de tournée du groupe se renverse dans les régions rurales du sud de la Suède. Burton est, à titre posthume, intronisé au Rock and Roll Hall of Fame avec Metallica le 4 avril 2009.
GEDDY LEE, l'explorateur et virtuose
Sur scène avec Rush, Geddy Lee a toujours été un maître multitâche, jouant des claviers et des synthés contrôlés au pied tout en réussissant des parties vocales audacieuses. Mais son jeu de basse, dur et nerveux mais magnifiquement agile et accentué avec juste ce qu'il faut d'éclat, est ce qui a fait de lui une légende pour les fans de rock avant-gardiste, et l'un des liens clés entre les pionniers des années 60 comme Jack Bruce et John Entwistle et les innovateurs des années 90 comme Les Claypool et Tim Commerford de Rage Against the Machine. Le jeu de Lee a ajouté du cran, du flair et une touche de funk surprenante à chaque époque du groupe, des monuments du high prog des années 70 comme A Farewell to Kings aux joyaux des années 80 influencés par la new wave comme Grace Under Pressure et aux efforts épurés et percutants des années 90 comme Counterparts. Et ses parties imaginatives - la démarche décalée qui ouvre « Cygnus X-1 Book I: The Voyage » ou Le riff de pont 7/4 nerveux de « Tom Sawyer ».
Geddy Lee, né le 29 juillet 1953 à Toronto, est connu notamment comme étant le bassiste, claviériste et chanteur du groupe rock canadien Rush. Lee a rejoint Rush sur la demande de son ami d'enfance Alex Lifeson en septembre 1968, pour remplacer l'ancien bassiste Jeff Jones. Le style, la technique et le talent de Lee à la basse ont inspiré de nombreux autres bassistes tels que Steve Harris de Iron Maiden, John Myung de Dream Theater, Les Claypool de Primus et Cliff Burton de Metallica.
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En plus de ses compositions, arrangements et performances au sein de Rush, Lee a produit les albums de divers autres groupes tels que Rocket Science. Lee, comme ses comparses de Rush (Alex Lifeson et Neil Peart), a été fait Officier de Ordre du Canada le 9 mai 1996. Le trio fut le premier groupe rock à recevoir la distinction. En avril 2017, il a joué avec Yes, pour l'induction du groupe au Rock and Roll Hall of Fame.
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STEVE HARRIS, le claqueur de basse
Iron Maiden s’apprête à célébrer son 50e anniversaire avec la tournée mondiale Run For Your Lives, qui débutera en mai 2025. Pour cette occasion, le groupe interprétera des classiques issus de ses neuf premiers albums, de Iron Maiden (1980) à Fear Of The Dark (1992). “C’est incroyable que ce groupe existe depuis 50 ans. Quand on y pense vraiment, c’est insensé. Le nombre de chansons, d’albums, de tournées… c’est extraordinaire,” confie Harris.
Stephen Percy « Steve » Harris, né le 12 mars 1956 à Leytonstone, est un musicien britannique, célèbre en tant que bassiste (occasionnellement claviériste) et principal compositeur du groupe britannique de heavy metal Iron Maiden.
Alors qu'il se prédestinait au football, sa découverte du rock puis de ce qui devient le heavy metal le pousse à se lancer dans une carrière musicale. Il intègre deux groupes, Gypsy's Kiss puis Smiler, avant de fonder Iron Maiden le jour de Noël 1975. En plus d'être bassiste, Steve Harris produit et coproduit les albums et réalise les vidéos de concerts du groupe. Il demeure, avec le guitariste Dave Murray, le seul membre ayant contribué à tous les projets du groupe depuis sa création jusqu'à nos jours, étant également crédité dans tous les albums.
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Steve Harris est considéré comme l'un des plus influents bassistes de heavy metal. Il est connu pour son style de jeu qui ressemble à un galop rapide des deux doigts sur les cordes. Il n'utilise jamais de médiator, y préférant jouer avec son index et son majeur. Avant de monter sur scène, Harris utilise du talc afin de fluidifier son galop et donc son jeu, comme il est possible de le voir sur le DVD bonus fourni avec l'album A Matter of Life and Death. Le guitariste d'Iron Maiden, Janick Gers, estime que le jeu de Steve Harris demeure inimitable, car « il a appris à jouer d'une manière que personne ne peut appréhender ».
Ses lignes de basse ne se contentent pas d'un simple accompagnement des guitares dans les graves, mais jouent presque le rôle d'une guitare rythmique additionnelle. Le son de Steve Harris est en effet très aigu et claquant. Le bassiste italien Gianluca Faziotti le compare à un « mitrailleur rythmico-mélodique rapide et très précis ».
GAIL ANN DORSEY, l'autodidacte que tous le monde s'arrache
Gail Ann Dorsey, née le 20 novembre 1962 à Philadelphie (Pennsylvanie), est une musicienne et chanteuse rock américaine, essentiellement connue comme bassiste. Longtemps reconnue comme bassiste de studio, elle doit sa notoriété publique à sa collaboration de 1993 à 1996 avec le groupe Tears for Fears et à sa présence comme bassiste dans le groupe de David Bowie à partir de 1995.
Le parcours de Gail Ann Dorsey dans l'univers de la musique débute précocement. Dès l'adolescence, elle chante et s'initie à différents instruments : guitare, basse, clarinette et batterie. Elle commence aussi à écrire ses propres compositions musicales, et va même jusqu'à rédiger des scénarios de longs métrages pour illustrer certaines d'entre elles car, en plus d'être passionnée pour l'écriture, cette musicienne autodidacte est aussi une fervente cinéphile. C'est à Londres, où elle s'installe au cours de l'été 1983, que ses projets commencent à prendre forme. Elle décroche une place de choriste dans le big band de Charlie Watts et collabore avec d'autres artistes comme Boy George, Concrete Blonde ou Anne Pigalle. Gail Ann Dorsey signe chez WEA en décembre 1987. L'année suivante sort son premier album, The Corporate World, sur lequel apparaissent plusieurs musiciens renommés : Eric Clapton, Anne Dudley, Andy Gill et Steve Ferrone.
Elle collabore, entre 1993 et 1995, avec le groupe britannique Tears for Fears, participant aux tournées suivant les parutions des albums Elemental en 1993 et Raoul and the Kings of Spain sur lequel elle joue en 1995. En parallèle, elle devient la bassiste attitrée de David Bowie à partir de 1995. Elle participe par exemple au concert de Glastonbury en 2000 (30 ans après le premier passage de Bowie sur cette scène) et à la tournée mondiale A Reality Tour en 2003-2004. Elle apparait aussi sur le coffret compilation Toy de Bowie sorti en 2022, jouant la basse sur tout l'album, à l'exception d'une seule chanson jouée par Tony Visconti . Elle participe également à trois tournées de Lenny Kravitz : Black & White America en 2011-2012, Strut en 2014-2015 et Raise Vibration en 2018-2019.
Une de ses particularités est de jouer régulièrement pieds nus, notamment auprès de Bowie. Elle est particulièrement identifiable grâce à sa silhouette longiligne et son crâne rasé.
TONY LEVIN, l'empereur de la basse
Tony Levin a apporté son style unique à tout le monde, de John Lennon à David Bowie en passant par Cher. Mais il est surtout connu pour son travail avec King Crimson et Peter Gabriel, qui l'appelle « l'empereur du bas du classement ». Levin a fait plus que quiconque pour rendre célèbre le Chapman Stick, en jouant de la guitare élégante et orientée vers le tapping dans les tubes de Gabriel comme « Shock the Monkey ». L'empereur a fait ses débuts en tant que musicien de studio dans les années 1970 ,c'est lui qui a joué sur le tube numéro un de Paul Simon « 50 Ways to Leave Your Lover ». Il a rencontré Gabriel dès que l'artiste a quitté Genesis, et est resté un élément crucial de sa musique depuis, vous ne pouvez pas imaginer « Big Time » ou « Sledgehammer » sans lui.
Lorsque Robert Fripp a ressuscité King Crimson après une pause de sept ans, il a recruté Levin pour la formation classique des années 80 qui a fait de Discipline . (Il détient le record du bassiste le plus ancien de Crimson.) Levin joue avec âme sur deux des plus grandes ballades tardives de Bowie, « Slip Away » et « Where Are We Now ? » Il a inventé « Funk Fingers », un gadget pour son approche percussive.
Il continue également d'explorer le Stick avec son projet Stick Men, dans des morceaux comme « Not Just Another Pretty Bass ». Réfléchissant aux origines de son style inhabituel il cite: « Ce n'est pas si facile de décrire exactement ce que c'est, mais, en termes simples, il s'agit de trouver les bonnes notes et de les jouer avec la bonne sensation. »
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Anthony Frederick Levin dit Tony Levin, né le 6 juin 1946 à Boston, aux États-Unis, est un musicien et compositeur américain, spécialisé dans la basse électrique, le Chapman Stick et la contrebasse. Il chante et joue aussi occasionnellement des claviers. Musicien prolifique depuis les années 1970, Levin a joué sur plus de 500 albums, dont ceux de Cher, Asia , Alice Cooper sur Welcome to My Nightmare, Goes to Hell et Lace and Whiskey, John Lennon sur Double Fantasy et Milk and Honey, Yoko Ono Season of Glass, Sarah McLachlan, Paula Cole, Stevie Nicks, Pink Floyd sur A Momentary Lapse of Reason, Paul Simon, Dire Straits ainsi que Lou Reed, David Bowie, Buddy Rich, Anderson Bruford Wakeman Howe (Yes). De plus, il a tourné avec des artistes tels que Peter Gabriel depuis le début de sa carrière solo, King Crimson, Anderson Bruford Wakeman Howe, Paul Simon (avec qui il a joué dans le film de 1980, One-Trick Pony), Gary Burton, Peter Frampton, Tim Finn et Richie Sambora, Ivano Fossati et Claudio Baglioni.
JOHN PAUL JONES, le maître du rythme
Bien que Led Zeppelin semble être sorti de nulle part, pleinement formé à la fin des années 60, le guitariste Jimmy Page et le bassiste-claviériste John Paul Jones avaient tous deux des années d’expérience en studio derrière eux. S’inspirant des disques de Motown et de bassistes de jazz comme Charles Mingus, Jones a joué sur des enregistrements de Donovan, Jeff Beck et Dusty Springfield, entre autres, et il a arrangé les cordes pour « She’s a Rainbow » des Rolling Stones. Ainsi, lorsque le moment est venu pour lui de jouer les lignes lentes de « Dazed and Confused » et « What Is and What Should Never Be » ou les rythmes endiablés de « Immigrant Song » et « The Song Remains the Same » – en harmonie avec Page – ce fut un jeu d’enfant. Son sens de la musicalité l’a également guidé bien au-delà de son passage chez Led Zeppelin. « John défie tout le monde en silence », a déclaré Dave Grohl à l’époque où il jouait avec Jones dans Them Crooked Vultures. « Sa présence vous permet de jouer du mieux que vous pouvez, car vous ne voulez pas le décevoir. Et si vous pouvez suivre le rythme, tout va bien. »
John Paul Jones (né John Baldwin le 3 janvier 1946) est devenu un directeur musical et arrangeur prolifique pour un grand nombre d'artistes célèbres des années 60 avant de fonder Led Zeppelin avec Jimmy Page en 1968. Depuis 1980, il a collaboré avec Paul McCartney, La Fura Dels Baus, Brian Eno, The Butthole Surfers et Diamanda Galas. Son premier album solo Zooma est sorti en septembre 1999, suivi de The Thunderthief en 2001.
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Jones est responsable des lignes de basse classiques du groupe, notamment celles de « Ramble On » et « The Lemon Song » ( Led Zeppelin II ), et des signatures temporelles changeantes , telles que celles de « Black Dog » ( Led Zeppelin IV ). En tant que membre de la section rythmique de Led Zeppelin avec le batteur John Bonham , Jones partageait une appréciation pour les grooves rythmiques funk et soul qui renforçaient et amélioraient leur affinité musicale. Jones et Bonham étaient de grands fans de Motown et de soul en général, de James Brown . Led Zeppelin était l'un des rares groupes à "swinguer". Ils avaient un groove à l'époque. Les gens allaient aux concerts et dansaient. On ne voyait pas forcément ça lors d'un concert de Black Sabbath ou autre. Nous étions donc différents de cette façon. Nous étions un groupe groovy. Nous utilisions toutes nos influences de musique pop noire comme clé pour un rock qui dépassait les bornes.
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FLEA, le multi-instrumentiste kangourou de la basse
Les Red Hot Chili Peppers ont connu de nombreux batteurs et guitaristes depuis leur formation en 1983. Mais Flea a été leur seul bassiste, un musicien dont le son caractéristique – un hybride charismatique et terrestre de punk, de funk et de psychédélisme – constitue l’épine dorsale du groupe. Son jeu avec les Peppers qui l’a rendu si apprécié, de son travail de slapping inspiré de Bootsy Collins (« Higher Ground », « Sir Psycho Sexy ») à ses moments mélodiques poignants (« Soul to Squeeze », « By the Way »). « Les Red Hot Chili Peppers sont Flea », a déclaré Anthony Kiedis à Rolling Stone en 1994. « Il est une part tellement essentielle de ce gâteau qu’il est impossible de penser que le groupe existerait sans lui. »
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Michael Peter Balzary, dit Flea (« puce » en anglais), est un bassiste, pianiste, trompettiste et acteur australo-américain, né le 16 octobre 1962 à Melbourne, en Australie. Il est l'un des membres fondateurs du groupe de rock Red Hot Chili Peppers, avec le chanteur Anthony Kiedis. Son surnom vient à la fois de sa petite taille et de sa façon assez sautillante d'occuper l'espace d'une scène.
Alors qu’il a 4 ans, ses parents divorcent et sa mère se remarie en 1967 avec un musicien new-yorkais de jazz, Urban Walter Jr, « alcoolique, junkie et très violent » selon les dires de Flea aujourd’hui. Ce jazzman initie Flea à la musique, qui va prendre une place de la première importance dans la vie du jeune Michael. Cette même année, il déménage avec sa mère, son beau-père et sa sœur à New York. La première chose dont il se souvient est la cabine du bateau en provenance de Melbourne qu’il s’est pris sur la figure, lorsqu’il voulait admirer la statue de la Liberté. C’est à partir de ce moment-là que Michael, sous l’influence de son beau-père, s’initie au jazz et à la soul music. La famille Balzary emménage dans une grande maison où de nombreux musiciens amis de Walter viennent pour des jams sessions. En assistant à ces concerts improvisés des grands noms du jazz chez lui, Michael décide de faire lui aussi de la musique. Profitant de la pause entamée par les Red Hot Chili Peppers en 2007, il apprend le piano et étudie le solfège à l'université du Sud de la Californie. Il publie ses mémoires, Acid for the Children, le 5 novembre 2019.
PAUL McCARTNEY, créateur d'une oeuvre inégalée par instinct, par jugement harmonique et à l'oreille parfaite sans formation musicale !
JOHN ENTWISTLE, le multi-instrumentiste kangourou de la basse
CHRIS SQUIRE, distorsion harmonique claire grace au ''sandwitch''
RONNIE JAMES DIO
ROB HALFORD
JANIS JOPLIN
IAN GILLAN
ROBERT PLANT
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FREDDY MERCURY
CHESTER BENNINGTON
OZZY OSBOURNE
STEVEN TYLER
DEBORAH HARRY
